21 exposiciones en Barcelona
21/07 Inauguración Lunes 19:00hs
Curador: Andrés Aguilar Caro
23/07 Inauguración Miércoles 19:30hs
Agate Tūna
Kevin Hoth
24/07 Inauguración Jueves 19:30hs
Ludovica Bastianini
Caroline Roberts
22/07 Inauguración Martes19:00hs
Clara Garrido
Ella Morton & Dale Rio
Francesco Amorosino
Lorena B. Grabinski
Marta Fàbregas
Ralph Nevins
Wai-Hang Siu
Residencia
Coordinadora: Célica Veliz
Colectiva Sostenibilidad
Curadoras: Arantxa Berganzo & Astrid Jacomme
Giorgia Pinzauti & Tommaso París
Javier Talavera
Kei Ito
Rob Macdonald
Séverine Chauveau
Sibux & Jordi Bofill Cunillera
BienCuadrado Gallery Art
Instant Flashes, Urban Traces
Instant Flashes, Urban Traces es una exposición que busca romper las barreras de la creación tradicional al fusionar la inmediatez de la fotografía instantánea con la efímera presencia del arte callejero. La muestra invita a la experimentación y la liberación creativa, explorando la autenticidad y la transitoriedad en el paisaje metropolitano. Los artistas seleccionados son Alex Mehiel, Andrea Cassady, Anika Neese, Clare Bailey, Cromwell Schubarth, Erin O'Leary, Felicita Russo, Gabi Torres, Jennifer Rumbach, Polaroscope, Mila Nijinsky, Natalia Romay y Paolo DellaCiana.
Experimental HUB
World of Illusion
"World of Illusion" es un proyecto artístico que explora los límites de la percepción visual mediante una amalgama de técnicas fotográficas y creativas. En este trabajo, Clara Garrido combina la pintura con luz, el fotomontaje, las largas exposiciones y la fotografía de paisajes, generando un universo visual donde lo real y lo imaginario se funden de manera orgánica. Lo que distingue a este proyecto es el enfoque personal y experimental que la artista adopta: viaja principalmente sola, sumergiéndose en nuevos lugares que, de alguna manera, le permiten conectar profundamente con el entorno y con su propia creatividad. Al llegar a esos destinos, Clara permite que su instinto artístico sea el que dicte el rumbo de su obra, sin restricciones, lo que confiere a cada imagen una energía única e impredecible. Este enfoque no solo busca captar la esencia de los paisajes, sino también transformar esos escenarios en mundos oníricos, donde la realidad se distorsiona y la imaginación se expande, creando una experiencia visual que invita a la reflexión entre lo real y lo irreal.
Grains of Sands and Screens
Granos de Arena y Pantallas es una obra de videoarte de Agate Tūna que explora la identidad cambiante del silicio, un elemento que se encuentra en muchas formas, desde la arena y el cuarzo hasta en el vidrio, los huesos y los microchips. Moviéndose entre lo natural y lo tecnológico, lo corporal y lo digital, el silicio actúa como un conector entre mundos aparentemente opuestos. A través de una combinación de químigramas escaneados y movimiento generado por IA, la obra traza paralelismos visuales y conceptuales entre el crecimiento orgánico de las estructuras cristalinas y la fluidez de los medios digitales. Invita al espectador a reflexionar sobre lo profundamente arraigado que está el silicio tanto en nuestros paisajes físicos como en nuestras realidades virtuales. ¿Cómo retienen memoria los materiales? ¿Puede un mineral soñar, registrar o invocar? A través de un juego rítmico de imagen y movimiento, Tūna nos invita a observar los rastros fantasmales y los pulsos energéticos que emergen dentro de las infraestructuras que tan a menudo pasamos por alto.
Museum of Stones
Museum of Stones es una reflexión personal sobre los recuerdos y la conexión humana con el paisaje. La artista era una niña que siempre llevaba los bolsillos llenos de piedras recogidas en espacios liminales como playas y ríos. Aún hoy, cuando visita a familiares y amigos, se sorprende a sí misma recogiendo piedras como talismanes de un momento en el tiempo. Durante el confinamiento, comenzó a dibujar las piedras, evocando esos recuerdos. Partiendo de cianotipias, Caroline desarrolló su proceso, añadiendo una base de papel de gelatina de plata para conseguir más color y utilizando una combinación de máscaras y productos químicos para crear las formas y texturas. El resultado es un equilibrio entre el caos y el control, generando texturas que imitan los procesos de sedimentación y erosión de las rocas. Museum of Stones no es un museo tradicional, sino más bien una colección de objetos con un significado personal, vinculados a lugares y personas, que invita a reflexionar sobre cómo la memoria convierte los lugares ordinarios en especiales.
Fragments from a Torn Earth
Fragments from a Torn Earth explora la fragilidad y volatilidad de paisajes extremos a través de nuevas obras de Dale Rio y Ella Morton. En 2024, Dale documentó los paisajes volcánicos de Sicilia, Italia, y Ella capturó el contraste entre los desiertos fríos y áridos de Svalbard, Noruega, y Atacama, Chile. Ella utiliza técnicas experimentales como mordançage y "film soup" en película de gran formato para crear cambios de color surrealistas y levantamientos de emulsión. Su trabajo presenta paisajes de glaciares derritiéndose, hielo flotante, salares, volcanes y estrellas del desierto, reflejando el poder de la tierra y los rápidos cambios que está sufriendo por el calentamiento global. Por su parte, el trabajo de Dale explora cómo el tiempo se manifiesta en paisajes volátiles a través de imágenes secuenciadas y fotoinstalaciones que expresan los conceptos de cronos y kairos. Ambas obras abordan temas de tiempo profundo, colaboración humana y no humana, y la relación de la humanidad con la tierra en medio de la crisis climática actual.
Kaleidocity
Este proyecto combina fotografía, gráficos, videoarte, música y juegos, ofreciendo una experiencia artística multidimensional. Fusiona varias series fotográficas de Amorosino, acompañadas por música electrónica original compuesta por Stefano G. Falcone, estableciendo un diálogo dinámico entre imagen y sonido. La serie central del proyecto, Mirage, está formada por mandalas en blanco y negro, creados meticulosamente mediante la multiplicación y fusión de copias de la misma fotografía arquitectónica. Estas composiciones intrincadas generan un ritmo visual repetitivo, transformando las estructuras urbanas en patrones hipnóticos. Además de los elementos visuales y sonoros, Kaleidocity también incorpora un componente interactivo: un juego de cartas inspirado en la serie Mirage. Cada mandala se descompone en nueve piezas individuales que pueden reorganizarse de múltiples maneras, permitiendo a los participantes crear un rompecabezas infinito y en constante evolución. Este enfoque lúdico refuerza la temática de transformación y reinterpretación del proyecto, invitando al público a interactuar con la obra de una manera inmersiva y participativa.
Placenta Sinestetica
Placenta Sinestética es un proyecto fotográfico que explora la conexión profunda entre los cuerpos humanos y el entorno natural. Inspirado por la reflexión de Fellini sobre la realidad, el proyecto se desarrolla en las aguas termales de Sorgeto, Ischia, y en los canales de Venecia. A través de un ritual colectivo de inmersión en el agua termal, los participantes buscan experimentar un estado de conciencia pura, sin interferencia del ego, observando la naturaleza sin juicio. Los retratos en blanco y negro de los cuerpos y su interacción con el paisaje se complementan con visiones lisérgicas creadas mediante trabajo digital. Las fotografías se "pintan" con las aguas termales y de la laguna, luego se dejan descansar en un lugar oscuro durante seis meses, permitiendo que el moho crezca sobre ellas. Este proceso crea formas y colores inesperados, fusionando la intención humana con los efectos naturales.
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Blueprints
En el contexto de la ingeniería y la arquitectura, el término blueprint se utiliza comúnmente para referirse a cualquier tipo de plano o representación gráfica detallada. En este sentido amplio, designa cualquier imagen técnica que contenga información detallada sobre un objeto o estructura. Blueprints es un ejercicio de reflexión sobre el cuerpo y su representación, una búsqueda sobre aquello que persiste más allá de la presencia física. La propuesta toma forma a través de un conjunto de cianotipias a escala 1/1, resultado de un proceso que involucra elementos esenciales como la luz del sol, el agua de mar y los propios cuerpos retratados. Las huellas del cuerpo, convertidas en vestigio, transitan entre la presencia y la ausencia. La identidad ya no se define por rasgos individuales, sino por la acumulación de formas que no pertenecen a nadie y que, a la vez, nos contienen a todos.
My Irradiated Friends
My Irradiated Friends es una exploración de lo invisible y lo perdurable. A través de técnicas fotográficas sin cámara, performances y artefactos, el proyecto enfrenta el legado del trauma nuclear, revelando historias ocultas y personificando el impacto generacional de la radiación. Como sobreviviente de tercera generación de la bomba atómica, su trabajo nace de una experiencia personal profunda. Desde su nacimiento, donde su abuelo se aseguró de que no tuviera defectos de nacimiento, el trabajo de Ito explora la mutación, primero como fantasía infantil y luego como dolorosa realidad al ver a su abuelo sucumbir al cáncer. La verdadera huella de la radiación no termina con la explosión, sino que se extiende a través de los genes y las generaciones. My Irradiated Friends captura las sombras de estos “mutantes irradiados”, difuminando la línea entre la ilusión y la realidad. Estas obras son monumentos al trauma heredado y las tensiones nucleares actuales, invitando a la audiencia a honrar las memorias de tragedias nucleares tanto históricas como contemporáneas.
Les Instants Physiques
El trabajo de Kevin Hoth explora el papel vital de las flores en la naturaleza, a menudo simbolizando pureza, esperanza y consuelo, especialmente en momentos de duelo. Su interés en este tema se profundizó en 2016 cuando observó la presencia de flores en entornos hospitalarios, donde ofrecían una sensación de alivio y resiliencia. Esta experiencia influyó en proyectos como Flowers for M y Freshly Shredded Flowers, lo que eventualmente llevó a Immortal Chromatic. En esta serie, incorpora imágenes de flores que conservan su color incluso después de la muerte en mosaicos de película instantánea a gran escala. Su proceso comienza con una fotografía de un arreglo floral, que fragmenta y transfiere a los azulejos de película instantánea. Cada fragmento es manipulado con luz solar y calor, creando "cicatrices" visuales que transforman la interrupción en un acto expresivo y creativo. A lo largo de ocho años de trabajo con película instantánea, Hoth ha desarrollado un lenguaje visual distintivo, refiriéndose a estas obras como Polawrongs, Hotharoids o Les Instants Physiques.
Mira Estas Flores, ¡Qué Obstinada su Belleza!
Desde sus inicios en la fotografía, Lorena Grabinski ha trabajado con flores y plantas secas, una fascinación que la ha llevado a reflexionar en este trabajo sobre las razones dretrás de su persistente atracción hacia ellas. Para Lorena, estas simbolizan su florecimiento interior como mujer, reflejando tanto la fragilidad como la fortaleza, la vida y la muerte, la conexión y el equilibrio natural, la rebelión y la liberación. En su exposición, presenta un jardín-collage que integra imágenes de flores secas creadas mediante cianotipia, con esculturas de mujeres-flores realizadas con emulsión. Esta obra pretende ser un canto a las flores, a la feminidad y al jardín habitado. Ese que, a veces, es rudo, injusto y oscuro; y otras suave, frágil y luminoso.
Musas: Mujeres que nos Inspiran
Musas: Mujeres que nos Inspiran es una serie de retratos de mujeres internas en el Centro Penitenciario de Brians 1, Cataluña, realizados por la artista, activista y feminista Marta Fàbregas. Como parte del proyecto “Traspasando el Objetivo” de la fundación SETBA, Fàbregas imparte talleres de fotografía de retrato a las internas. El proyecto busca mejorar la autoestima de las participantes y potenciar su inserción laboral, lo que lleva a una serie de imágenes que exploran el empoderamiento a través de la fotografía. Tras una cuidadosa selección de retratos que les hace ella, el último día, la artista utiliza su propia técnica, "Transfotografía", una variante del transfer fotográfico, para crear estas piezas únicas de gran formato que combinan collage y texturas, todo ello cosido en un lienzo con cordel. Con estas piezas únicas Fàbregas sitúa a estas mujeres como musas, para conseguir así, visibilizar al colectivo de mujeres y devolverlas a la luz. La artista donó estas piezas a la Fundación Setba.
Slices of life
Las imágenes de las cámaras que creo actualmente utilizan sensores lineales 1xN de Sony, que ya han sido descontinuados. El procesamiento interno se basa en procesadores en tiempo real STM32, con software, circuitos y placas diseñados específicamente para estas cámaras. El resultado de estas cámaras puede considerarse como películas unidimensionales, donde los fotogramas se apilan uno junto al otro. Las imágenes generadas pueden imaginarse como X*T (tiempo) cuando el sensor está en posición vertical. En cierta medida, el resultado es fortuito: solo es posible saber si se ha obtenido algo interesante una vez que se visualiza en la computadora. El proyecto Video to Still utiliza software libre y programas de creación propia para generar las imágenes finales. Los videos se capturan con cámaras GoPro y Nikon Z (hasta ahora).
City of Ghosts
En City of Ghosts, Rob Macdonald fusiona objeto e imagen con la técnica experimental de fotograma para crear un lenguaje visual que refleja la tensión entre los beneficios del turismo y su impacto en las comunidades locales. Imágenes digitales en color tomadas en ciudades como Madrid y São Paulo se transforman en impresiones monocromáticas en el cuarto oscuro, combinadas con señales de plástico que se convierten en contornos gráficos en blanco y negro. La serie juega con patrones, líneas y estructuras que interrumpen la imagen, generando una nueva estética que explora la relación entre el turismo y la ciudad. Las figuras humanas son intencionadamente ambiguas, y los carteles vintage de la década de 1960 evocan una visión romantizada de los viajes del pasado, funcionando como un comentario sobre la realidad contemporánea de las protestas contra el turismo masivo.
The Shape of my Memories
En esta exposición, la artista explora la relación entre la fotografía y la memoria, cuestionando qué se recuerda, qué se olvida y qué se decide conservar. Plantea interrogantes sobre la verdad en los recuerdos: ¿reside en los detalles precisos de una imagen o en las sensaciones que perduran en la mente? La artista reflexiona sobre cómo la fotografía suele considerarse una representación fiel de la realidad, aunque el tiempo afecta tanto la imagen como su proceso y material fotosensible. Normalmente, una fotografía evoca un recuerdo, pero a veces este ya no coincide con la imagen capturada. Por ello, en esta exposición invierte el proceso habitual: en lugar de partir de una imagen para recordar, utiliza el material fotográfico para crear “objetos-memoria”, piezas que reflejan su recuerdo más que la realidad. Así, su obra transforma la fotografía en una interpretación personal del tiempo y la memoria.
Génesis: Fotografía de un Futuro Alternativo
Una exposición de fotografía de ciencia ficción que nace del encuentro entre dos artesanos de la imagen en la comunidad Foto Experimental. Juntos, imaginan un futuro distópico, un escenario donde la sociedad sobrevive al margen de la alta tecnología y con escasez de recursos. En este contexto, las comunidades fotográficas se vuelven clave, reuniendo fotógrafxs, químicxs, científicxs, artistas y defensorxs del medio ambiente. Juntxs, rescatan antiguos procesos fotográficos, usando la luz solar para imprimir sobre superficies vegetales, creando objetos fotosensibles con productos naturales y reacondicionando cámaras mecánicas. 4 técnicas fotográficas capturan la esencia de la luz y su influencia en nuestro mundo. Con SIBUX y sus cianotipias, antotipias y clorotipias, más las solarigrafías instantáneas con lente de JB Cunillera.
The Cruelty of Grace
En esta obra, la artista crea una poética del hogar, explorando objetos muertos, recuerdos históricos y sentimientos conectados a ellos. Transformó telas, ropa y fotos antiguas, combinándolas con objetos encontrados en mercados de pulgas, como fotos de bodas, retratos de mujeres dedicadas a la vida doméstica, y soldados en sus uniformes. A través de estos elementos, emerge un contraste incómodo entre la fragilidad de la gracia femenina y la violencia implícita en su imposición. Las piezas de la serie, que incluyen agujas de coser, vidrios rotos y otros objetos domésticos, muestran heridas y fracturas, reflejando una belleza que oculta sufrimiento. Además, se incorporan piezas de cuero coloreado provenientes del trabajo de su padre, lo que otorga un carácter personal e íntimo. La obra invita a reflexionar sobre los derechos conquistados con esfuerzo y la necesidad de preservarlos y mejorarlos en el futuro.
Customers
En este proyecto, Wai-Hang Siu recopila recibos de papel térmico de individuos de diversos orígenes, transformando estas transacciones cotidianas en retratos íntimos y singulares. A diferencia de las reproducciones convencionales en cuarto oscuro o impresiones digitales, los recibos térmicos poseen una calidad irreproducible. Con el tiempo, se desvanecen, reflejando la naturaleza efímera tanto del material como de los hábitos de consumo. Cada recibo, generado en una transacción única, se convierte en un registro momentáneo pero distinto del consumo. La serie aborda la evolución de los comportamientos de consumo, mostrando cómo la identidad se moldea constantemente dentro de la cultura capitalista. Al mismo tiempo, desafía las nociones tradicionales de preservación fotográfica y reflexiona sobre la materialidad de la fotografía en la era contemporánea.
+ La visita a todas las exposiciones es libre y gratuita y no hay que reservar entradas.