16 exposiciones en Barcelona
What We See Is What We Know
Golden Spike
It all Leads to the Same Way
Nacer en el vacío
Lividity
PIN-ANIMA
Cloud Head
Rewilding Memories
Coddiwomple
Liminal
Share, Tag or Dye Again
Diario de un viaje
Astrid Jacomme y
Arantxa Berganzo
Ausstellungseröffnung
La crisis climática y ecológica es el tema central de nuestro tiempo. Nuestra respuesta colectiva definirá la capacidad de las generaciones futuras para vivir y prosperar en este planeta. ¿Cómo deben responder los fotógrafos a esta crisis? Los paisajes en los que nos deleitamos y de los que a menudo hacemos imágenes están siendo alterados por nuestro despilfarro y nuestro consumo excesivo. Invito a los visitantes de esta exposición a considerar su relación con los materiales y los paisajes.
Las cámaras y las imágenes que realizo evocan el paisaje en el que se crean, utilizando materiales que están a mano. A menudo, estos son materiales de desecho traídos a la tierra por las tormentas del Atlántico en la costa oeste de Escocia. Un elemento central de este trabajo es la consideración de lo que sucede con los materiales cuando los objetos que crean ya no son necesarios.
Mis imágenes no son ni del objeto ni del paisaje, sino que abordan la forma en que uno se convierte en el otro. Los materiales se combinan como lo están en el paisaje que nos rodea. Lo que es natural y lo que es hecho por el hombre no se puede deshacer fácilmente.
Residencia Internacional
de Experimentación
Colectiva de procesos
PAISAJES SʘLARES ɸ 41ºN
A medida que avanza el desastre climático, nuestro enfoque sigue estando en la superficie. La lividez llega en un momento en que el océano necesita mayor visibilidad. Este trabajo utiliza archivos en colaboración con tecnología y técnicas híbridas para volver a imaginar un fondo marino que ya está muerto. El trabajo utiliza prácticas experimentales para investigar la realidad de lo que está sucediendo con nuestros ecosistemas líquidos junto con la especulación sobre el futuro de estos espacios. Lividity utiliza la fotografía guiada por el proceso para crear un nuevo entorno a partir de este estudio fragmentado de cuerpos oceánicos ficticios, fallecidos y en peligro de extinción. El trabajo examina cómo los procesos pueden llevar a que los pensamientos y las ideas se realicen a través de imágenes. No se trata solo de cómo creamos imágenes, sino también de qué representan esas elecciones y cómo podemos usar esto para resaltar el cambio.
Coddiwomple es un verbo informal que significa "viajar de manera decidida hacia un destino vago". Este trabajo fotográfico Site-Specific encarna este término a medida que exploro mi entorno cotidiano. El objetivo es ser lúdico, elijo responder a mi entorno inmediato y mis emociones, mostrar deseos sin pulir y trabajar a intervalos regulares para romper hábitos pasados de estancamiento artístico. Este trabajo es la encarnación de un viaje y una práctica, con un futuro no escrito.
En el Antropoceno, llamado la nueva era geológica, el hombre se eleva por encima de todo, toma el control del medio ambiente, explota las materias primas, manteniendo la apariencia de libertad, continuando con la esclavitud moderna. Golden Spike desde la teoría del “post-antropoceno” pretende señalar, además del hecho del cambio climático y el daño ambiental global, una actitud capitalista, colonialista, que se ha repetido innumerables veces a lo largo de nuestra historia y que actualmente tiene lugar en nuestro presente. La obra presenta una mirada poshumana, donde representa la estética del colapso poscolonial a través de la crítica de la mirada convertida en máquina. De esta forma se formula la crítica a la escritura de la historia y la ciencia, nos adentramos en las capas profundas en busca de una explicación, mientras que los problemas superficiales han superado durante mucho tiempo el horizonte de nuestras posibilidades de solución.
PIN-ANIMA es una muestra de mis experimentos con cámaras multilentes inspiradas en las experiencias de los pioneros de la cronofotografía del siglo XIX: E. Muybridge y E. Marey. Es una exhibición de las propias cámaras como objetos y flipbooks creados a partir de una serie de fotografías. Estas cámaras tienen muchas posibilidades interesantes. Estos dispositivos primitivos que utilizo para la fotografía pueden crear imágenes que se convierten en secuencias de films cortos. Una cámara estenopeica con una sola lente crea una imagen en un tiempo determinado e instantáneo, pero gracias al uso de la solarigrafía, este fenómeno puede mostrar pasajes de tiempo inusuales. No es solo un paso en el tiempo, sino que, gracias a la adecuada construcción del dispositivo, es también, un viaje en el espacio. Actualmente estoy buscando un nuevo camino, experimentando con tamaños de cámara, velocidades de animación y técnicas positivas directas.
Liminal quiere demostrar que nada es fijo. Todo está destinado a ser destruido o a desaparecer. Cada imagen cuenta esta realidad, esta verdad. Utilizando un proceso fotográfico químico que permite despegar la gelatina, desplazarla y recomponerla sobre el papel, intento interpretar en imágenes la dramática metamorfosis de un mundo. Los rostros puros se descomponen, los cuerpos son devorados y succionados por la naturaleza, las siluetas jóvenes desaparecen, translúcidas y frágiles. Sin embargo, a través de toques de luz, la imagen revela un atisbo de esperanza y optimismo. Pero no niego que hay cierta provocación en mi enfoque... la de difuminar las líneas... la de crear incertidumbre, duda, confusión, incomodidad.
Muestra compuesta por tres series: Tetris, This Poem Is About Me, and (Un)affectionate Objects of Belonging.
En Tetris, las fotografías toman la forma de bloques de tetris, explorando así las nociones de identidad y autoimagen. Raizada fue impulsada por la coexistencia de múltiples personalidades virtuales, la idea de quién soy y quién presento al mundo, entre otras cosas.
This Poem Is About Me, es una expresión de cómo el yo se convirtió en un espacio sagrado para Raizada durante la pandemia del coronavirus. “La fragilidad del propio espacio mental y la carga de pensamientos abrumadores son algunas de las ideas que se exploran en este trabajo, utilizando materiales como piedras, mechones de cabello, pétalos de rosa y fotografías de un ojo”, explica Raizada.
(Un)affectionate Objects Of Belonging traduce la idea de paradoja utilizando objetos encontrados/femeninos al mismo tiempo que empujan los límites de cómo se percibe el medio de la fotografía. El lugar, al ser un estudio de danza, tiene una historia de cuerpos creando significado a través del movimiento. “Es una oportunidad fascinante para nosotros construir sobre esta historia mientras presentamos las cavilaciones de Raizada sobre el cuerpo humano”, dice Srinivas Aditya Mopidevi, asesora curatorial del proyecto.
Al comienzo de la pandemia de COVID-19, comencé una serie utilizando el Autorretrato como herramienta para investigar mi estado mental. Me diagnosticaron PTSD y comencé a registrar mis días en Polaroids a través de la técnica de Emulsion Lifts. Tuve el ímpetu de transformar la imagen con mis propias manos. Si no me gusta una idea, ¿por qué no me gusta? Y si lo deconstruyo entero, ¿en qué se convierte? El resultado ha sido terapéutico. La Fotografía Híbrida es una revolución, ya que aparece en un momento personal e íntimo de dolor e incomodidad y evoluciona naturalmente hacia un lugar de curación. A través de una alquimia, puedo crear un mapa de mi mente desde los colores, las texturas, las manchas, el decaimiento de una imagen, cada elemento y soporte al que transfiero la obra para reflexionar un poco sobre cómo me encuentro en este momento. Mis creaciones son fotografías que nacen y mueren constantemente, cambiándose físicamente. El foco de mi trabajo es seguir utilizando el cuerpo y la mente como herramientas, puentes de inspiración para interpretar y traducir en imágenes el cruce de los campos de la Psicología y la Fotografía. De la Deconstrucción a la Reconstrucción.
Share, Tag or Dye es un programa-contexto para generar diálogos entre artistas rumanos e internacionales, otros agentes culturales y el público en general, a través de una estructura híbrida en línea y fuera de línea, que involucra tanto al público profesional como al amateur, junto con el público en general. ¿A veces sientes que el tiempo que dedicas a las redes sociales a promocionar tu trabajo es mucho más largo que el que dedicas a tu trabajo real y, aun así, tu trabajo no se ve de todos modos? Cuestionamos el papel de las redes sociales en nuestra vida cotidiana, utilizando cianotipia, una técnica fotográfica de casi dos siglos de antigüedad. Reunimos un gran lote de contribuciones que se unirán para culminar en una instalación.
Estas paredes intentan contener un proceso de creación colectiva, entre el cubo blanco y la muralla, pero no hay representación ni adaptación posible. Hay un límite, desborda. Para jugar con(tra) la fotografía, hay que pisarla, hay que desacralizarla. Es una ruina, es un objeto en decadencia, es una ficción. Los alumnos de todo el mundo del curso de seguimiento de proyectos del Ágora, escuela de experimentación, han estado varios meses haciendo propuestas para este espacio específico. Es imposible. Así como jugamos contra los aparatos, contra el sistema fotográfico del cual somos ahora conscientes, Jouer contre des expositions habla de la necesidad de cuestionar el sistema expositivo. Eso intentamos.
Nacer en el Vacío es una obra de investigación, experimentación y sanación en la que trabajo con intervención plástica y digital, a través de un proceso de apropiación del archivo fotográfico familiar, integrado a acciones performativas, fotomontajes, collages, yuxtaposiciones, videos y escrituras que conforman una instalación compuesta de cinco momentos: “el vacío toma vida”; “álbum, materia viva”; “vida-muerte-vida”; “somos fantasmas” y “revivir lo muerto”. En estos trabajos, he entretejido las huellas que van reconstruyendo la historia de mi vida unida a la muerte. Así, las “presencias fantasmales” narran la forma en que un secreto familiar se va ocultando y desocultando.
Rewilding memories se basa en el entendimiento de la fotografía un como medio intrínsicamente material a pesar del actual contexto digital. A través de diversas experimentaciones, la artista enfatiza el proceso de encarnación de las imágenes en distintos soportes, activando características latentes del medio fotográfico; tales como la flexibilidad, organicidad, unicidad e incluso la idea de lo efímero.
Así, conversaciones entre imágenes-archivos digitales y estrategias manuales, singularizan y corporalizan lo que son las fotografías, tensionando la tradicional definición de la fotografía como un medio hiper- reproducible. Al mismo tiempo, el uso de archivos de baja resolución, temáticas cotidianas y materialidades livianas, simples y precarias, actúan a modo de “desobediencia” a la estandarizada y convencional manera de hacer fotografía, como también al elitismo y altos estándares a los que generalmente esta se acoge.
Mi nombre es David. Diario de un viaje es la crónica del periplo, de un camino vital que empieza en el momento que decidimos formar una familia. Un camino en el que, desde que los hijos llegaron, la vida en pareja ha sido completamente arrasada y borrada del mapa como si hubiera caído un meteorito sobre un territorio invadido y recolonizado por ellos. En ese contexto, de intensidad constante e increscendo, la crianza, con la pandemia de por medio, ha sido en ocasiones un terremoto, donde las fricciones entre hermanos y entre nosotros nos han puesto al borde del abismo en varias ocasiones. Estas sacudidas emocionales, a la vez que nos empujaban hacia el precipicio, nos han hecho encontrar el modo de trascenderlas y de encontrar la armonía y la paz que necesitamos para seguir siendo una familia. Al final, no se trataba de cambiar las cosas, sino de cambiarnos a nosotros mismos, ya sea tu pareja o un hijo. Y ahí, surgió la naturaleza, la tierra como alivio, como válvula de escape donde poder aflojar las tensiones internas y encontrar el silencio necesario para que todo repose. Y en esa calma es cuando veo como cada uno de mis hijos va tomando parte en esta vida, siguiendo su propio camino. Es entonces, cuando vibro por dentro. Algo renace de nuevo en mí y simplemente es maravilloso, solo con mirarlos.
Soy Jordi Bofill Cunillera fotógrafo apasionado por la solarigrafía y en esta experiencia fotosensible en formato de instalación física PAISAJES SʘLARES ɸ 41ªN, muestro 5 proyectos de fotografía alternativa y experimental donde se mezcla arte y ciencia. Algunos de ellos interactivos, pudiendo manipular, incluso crear y modificar el paisaje. Con la participación especial de artistas internacionales como Yoshihito Suzuki y Me Lata en dos de ellos. Cada paisaje de este viaje solar consta de: El sol, como protagonista, la estrella luminosa más cercana a nuestro planeta, el máximo generador de luz, sin la cual no existiría la fotografía. Solarigrafias, imágenes fotográficas reveladas y positivadas sin químicos con una apariencia pictórica de paisaje onírico. Donde aparecen los trazos del aparente recorrido del sol día tras día, lo que mágicamente hace visible una bella escena, oculta al ojo humano que no es capaz de captar ni retener por sí solo. LataCams, Cámaras analógicas, estenopeicas y recargables especiales para largas exposiciones en exteriores, construidas por mi artesanalmente para cada paisaje, partiendo siempre de objetos en desuso. Con lo que muestro le doy el mismo valor a todo el camino slow, experimental, artesanal y respetuoso con el medio ambiente, que comporta este cóctel de procesos fotográficos e híbridos entre técnicas analógicas de inicio y digitales de final. Si tienes cámara instantánea tipo polaroid o térmica tráela o te prestamos una para participar en el paisaje en evolución.