16 exposiciones en Barcelona
What We See Is What We Know
Golden Spike
It all Leads to the Same Place
Nacer en el vacío
Lividity
PIN-ANIMA
Cloud Head
Rewilding Memories
Coddiwomple
Liminal
Share, Tag or Dye Again
Diario de un viaje
La crisis climática y ecológica es el tema central de nuestro tiempo. Nuestra respuesta colectiva definirá la capacidad de las generaciones futuras para vivir y prosperar en este planeta. ¿Cómo deben responder los fotógrafos a esta crisis? Los paisajes en los que nos deleitamos y de los que a menudo hacemos imágenes están siendo alterados por nuestro despilfarro y nuestro consumo excesivo. Invito a los visitantes de esta exposición a considerar su relación con los materiales y los paisajes.
Las cámaras y las imágenes que realizo evocan el paisaje en el que se crean, utilizando materiales que están a mano. A menudo, estos son materiales de desecho traídos a la tierra por las tormentas del Atlántico en la costa oeste de Escocia. Un elemento central de este trabajo es la consideración de lo que sucede con los materiales cuando los objetos que crean ya no son necesarios.
Mis imágenes no son ni del objeto ni del paisaje, sino que abordan la forma en que uno se convierte en el otro. Los materiales se combinan como lo están en el paisaje que nos rodea. Lo que es natural y lo que es hecho por el hombre no se puede deshacer fácilmente.
PAISAJES SʘLARES ɸ 41ºN
A medida que avanza el desastre climático, nuestro enfoque sigue estando en la superficie. La lividez llega en un momento en que el océano necesita mayor visibilidad. Este trabajo utiliza archivos en colaboración con tecnología y técnicas híbridas para volver a imaginar un fondo marino que ya está muerto. El trabajo utiliza prácticas experimentales para investigar la realidad de lo que está sucediendo con nuestros ecosistemas líquidos junto con la especulación sobre el futuro de estos espacios. Lividity utiliza la fotografía guiada por el proceso para crear un nuevo entorno a partir de este estudio fragmentado de cuerpos oceánicos ficticios, fallecidos y en peligro de extinción. El trabajo examina cómo los procesos pueden llevar a que los pensamientos y las ideas se realicen a través de imágenes. No se trata solo de cómo creamos imágenes, sino también de qué representan esas elecciones y cómo podemos usar esto para resaltar el cambio.
La palabra "Coddiwomple" es un verbo informal que significa "viajar de manera decidida hacia un destino vago". Este trabajo fotográfico site-specific encarna este término mientras realizo impresiones semanales de quimigramas, lúmenes y cianolúmenes originales de gelatina de plata. Mi objetivo es jugar: elijo responder a mi entorno inmediato y mis emociones en ese momento, exhibir caprichos sin pulir y trabajar a intervalos regulares para romper los hábitos pasados de crear obstáculos mentales que resultan en estancamientos artísticos. Este trabajo es la encarnación de un viaje y de una práctica, con un futuro no escrito.
Residencia Internacional de Experimentación EXP-IEFC - Colectiva de procesos
La residencia busca generar una pequeña comunidad horizontal de aprendizaje colaborativo, donde cada quien, cada día, enseña en un taller teórico-práctico, una técnica experimental y su manera de trabajar a sus compañeros residentes, haciendo hincapié en la mezcla de técnicas, en el mensaje y en el trabajo colaborativo. Les participantes en esta primera edición son, en orden alfabético: Ana Mundim (Brasil), Dany Vigil (El Salvador - República Checa), Ezequiel Lovrovich (Argentina), Gonzalo Rostán (Uruguay), Gul Cevikoglu (Estados Unidos - Turquía), Lexy Liangzi Xiao (Noruega - China), Lucía Calabrino (Argentina), Scarlet Galicia García (México) y Stephen Takacs (Estados Unidos). Una comunidad donde pueden convivir y dialogar el bordado, la fotografía instantánea de gran formato, el archivo familiar, la costura, la cianotipia, la pintura cromoskedásica, la proyección de diapositivas, la realidad virtual, la imágenes creadas con tierra y la fotocoreografía.
Al contar con diez días para trabajar no quisimos hacer una exhibición de trabajos cerrados o proyectos terminados, entendemos que este es un punto de partida para el aprendizaje, la investigación y la colaboración. Por eso lo que están viendo aquí es una exposición de work in progress, tomando como referencia a Paul Valéry y su Primera Lección de 1937 en la que proponía el término poïétique para referirse “al estudio, no de la obra culminada, sino de su producción y condiciones de realización”.
Ausstellungseröffnung Manifest
Este manifiesto no pretende definir, imponer barreras o crear un nuevo dogma. Este manifiesto quiere expresar en palabras lo que una serie de personas pensamos sobre una forma artística que nos hace ser lo que somos. Actualmente las artes presentan un aislamiento autosuficiente del que sólo podrán liberarse a través de una colaboración consciente de todos los artesanos. Arquitectos, pintores, fotógrafos y escultores deben volver a conocer y concebir la naturaleza compuesta de la edificación en su totalidad y en sus partes.
Las viejas escuelas de Bellas Artes no pueden despertar esa unidad, cómo podrían hacerlo si el arte no puede enseñarse. Deben volver a convertirse en talleres.
Experimentar es experiencia, es vida, y es gesto, es inconformismo. Arquitectos, escultores, pintores, fotógrafos, todos debemos volver a la artesanía! No existe ninguna diferencia esencial entre el artista y el artesano. La gracia del cielo hace que, en raros momentos de inspiración, ajenos a su voluntad, el arte nazca inconscientemente de la obra de su mano, pero la base de un buen trabajo de artesano es indispensable para todo artista. No todo es azar y suerte, también hay mucho de trabajo consciente porque a la experimentación revolucionaria se llega practicando, trabajando y ejercitando la técnica y, también, la creatividad.
No hablamos de una estética ni de una técnica ni de una corriente artística, hablamos de una actitud. Deseemos, proyectemos, creemos todos juntos la nueva estructura del futuro, en que todo constituirá un solo conjunto, arquitectura, plástica, pintura y fotografía experimental. Lo experimental es un futuro compartido, es construcción compartida. La fotografía experimental es un lenguaje común para todos aquellos que creemos que la fotografía tiene sentido en sus periferias.
Walter Gropius, “Manifiesto y programa de la Bauhaus” (1919)
& Experimental, “Un manifiesto sobre fotografía experimental” (2020)
Curadoras @arantxa.art y @astridjacomme
En el Antropoceno, llamado la nueva era geológica, el hombre se eleva por encima de todo, toma el control del medio ambiente, explota las materias primas, manteniendo la apariencia de libertad, continuando con la esclavitud moderna. Golden Spike desde la teoría del “post-antropoceno” pretende señalar, además del hecho del cambio climático y el daño ambiental global, una actitud capitalista, colonialista, que se ha repetido innumerables veces a lo largo de nuestra historia y que actualmente tiene lugar en nuestro presente. La obra presenta una mirada poshumana, donde representa la estética del colapso poscolonial a través de la crítica de la mirada convertida en máquina. De esta forma se formula la crítica a la escritura de la historia y la ciencia, nos adentramos en las capas profundas en busca de una explicación, mientras que los problemas superficiales han superado durante mucho tiempo el horizonte de nuestras posibilidades de solución.
PIN-ANIMA es una muestra de mis experimentos con cámaras multilentes inspiradas en las experiencias de los pioneros de la cronofotografía del siglo XIX: E. Muybridge y E. Marey. Es una exhibición de las propias cámaras como objetos y flipbooks creados a partir de una serie de fotografías. Estas cámaras tienen muchas posibilidades interesantes. Estos dispositivos primitivos que utilizo para la fotografía pueden crear imágenes que se convierten en secuencias de films cortos. Una cámara estenopeica con una sola lente crea una imagen en un tiempo determinado e instantáneo, pero gracias al uso de la solarigrafía, este fenómeno puede mostrar pasajes de tiempo inusuales. No es solo un paso en el tiempo, sino que, gracias a la adecuada construcción del dispositivo, es también, un viaje en el espacio. Actualmente estoy buscando un nuevo camino, experimentando con tamaños de cámara, velocidades de animación y técnicas positivas directas.
Liminal quiere demostrar que nada es fijo. Todo está destinado a ser destruido o a desaparecer. Cada imagen cuenta esta realidad, esta verdad. Utilizando un proceso fotográfico químico que permite despegar la gelatina, desplazarla y recomponerla sobre el papel, intento interpretar en imágenes la dramática metamorfosis de un mundo. Los rostros puros se descomponen, los cuerpos son devorados y succionados por la naturaleza, las siluetas jóvenes desaparecen, translúcidas y frágiles. Sin embargo, a través de toques de luz, la imagen revela un atisbo de esperanza y optimismo. Pero no niego que hay cierta provocación en mi enfoque... la de difuminar las líneas... la de crear incertidumbre, duda, confusión, incomodidad. Incluso si mis series son a menudo diferentes, en la forma en que están representadas o en su enfoque experimental, ese hilo rojo de duda siempre está presente. Entonces, en última instancia, tal vez mi trabajo transmita ese mensaje universal de que nunca estamos seguros de nada... que la verdad no pertenece a nadie. En todo caso, existe el deseo de provocar la reflexión filosófica. O, por qué no, crear una sensación filosófica, un poco de vértigo existencial.
It all leads to the same place explora la idea del cuerpo en sus múltiples manifestaciones de identidad y materialidad. Esta exposición profundiza en el concepto de "unidad" utilizando ideas y materiales que conducen al sitio del cuerpo humano. Las obras expuestas se inspiraron en diferentes formatos de interfaces de creación de imágenes contemporáneas que definen cada vez más nuestras experiencias cotidianas. La exposición está compuesta por tres series: el Tetris, Este poema es sobre mí y (Des)cariñosos objetos de pertenencia. La serie Tetris las fotografías toman la forma de bloques de Tetris, explorando así las nociones de identidad y autoimagen. Me impulsó la coexistencia de múltiples personalidades virtuales, la idea de quién soy y quién presento al mundo, entre otras cosas. Este poema es sobre mí es una expresión de cómo el yo se convirtió en un espacio sagrado para mí durante la pandemia del coronavirus. “La fragilidad del propio espacio mental y la carga de pensamientos abrumadores son algunas de las ideas exploradas en este trabajo, utilizando materiales como piedras, mechones de cabello, pétalos de rosa y fotografías de un ojo”. Los objetos de pertenencia (no) afectuosos traducen la idea de paradoja utilizando objetos encontrados/femeninos al mismo tiempo que empujan los límites de cómo se percibe el medio de la fotografía. Es interesante ver cómo tres medios diferentes que tratan con conceptos/ideas similares se unen sin invadir la individualidad de cada uno mientras le agregan múltiples dimensiones. Después de todo, todo conduce al mismo lugar.
Al comienzo de la pandemia de COVID-19, comencé una serie utilizando el Autorretrato como herramienta para investigar mi estado mental. Me diagnosticaron PTSD y comencé a registrar mis días en Polaroids a través de la técnica de Emulsion Lifts. Tuve el ímpetu de transformar la imagen con mis propias manos. Si no me gusta una idea, ¿por qué no me gusta? Y si lo deconstruyo entero, ¿en qué se convierte? El resultado ha sido terapéutico. La Fotografía Híbrida es una revolución, ya que aparece en un momento personal e íntimo de dolor e incomodidad y evoluciona naturalmente hacia un lugar de curación. A través de una alquimia, puedo crear un mapa de mi mente desde los colores, las texturas, las manchas, el decaimiento de una imagen, cada elemento y soporte al que transfiero la obra para reflexionar un poco sobre cómo me encuentro en este momento. Mis creaciones son fotografías que nacen y mueren constantemente, cambiándose físicamente. El foco de mi trabajo es seguir utilizando el cuerpo y la mente como herramientas, puentes de inspiración para interpretar y traducir en imágenes el cruce de los campos de la Psicología y la Fotografía. De la Deconstrucción a la Reconstrucción.
Share, Tag or Dye es un programa-contexto para generar diálogos entre artistas rumanos e internacionales, otros agentes culturales y el público en general, a través de una estructura híbrida en línea y fuera de línea, que involucra tanto al público profesional como al amateur, junto con el público en general. ¿A veces sientes que el tiempo que dedicas a las redes sociales a promocionar tu trabajo es mucho más largo que el que dedicas a tu trabajo real y, aun así, tu trabajo no se ve de todos modos? Cuestionamos el papel de las redes sociales en nuestra vida cotidiana, utilizando cianotipia, una técnica fotográfica de casi dos siglos de antigüedad. Reunimos un gran lote de contribuciones que se unirán para culminar en una instalación.
Estas paredes intentan contener un proceso de creación colectiva, entre el cubo blanco y la muralla, pero no hay representación ni adaptación posible. Hay un límite, desborda. Para jugar con(tra) la fotografía, hay que pisarla, hay que desacralizarla. Es una ruina, es un objeto en decadencia, es una ficción. Los alumnos de todo el mundo del curso de seguimiento de proyectos del Ágora, escuela de experimentación, han estado varios meses haciendo propuestas para este espacio específico. Es imposible. Así como jugamos contra los aparatos, contra el sistema fotográfico del cual somos ahora conscientes, Jouer contre des expositions habla de la necesidad de cuestionar el sistema expositivo. Eso intentamos.
Los archivos familiares y las historias orales - desde sus brechas y heridas - se convierten en memorias que pueden ser sanadas a través de un proceso fotográfico experimental, afectivo y ancestral, que integra ciclos de vida-muerte-vida.
Nacer en el Vacío es un trabajo de investigación-experimentación-sanación, en el que llevé a cabo un proceso de reconstrucción de la memoria, indagando sobre los archivos y los relatos orales de la familia. Este proceso personal inició en el año 2019 con el descubrimiento de una herida producida por la muerte trágica de mi tío Carlos.
Mi madre programó la cesárea de mi nacimiento para que coincidiera con el día de la muerte de mi tío. Mis padres se habían aferrado al dolor y querían que él siguiera vivo a través de mí. Así, este secreto familiar se fue develando poco a poco.
La obra plástica y audiovisual, está cargada de una urgencia por sanar la raíz, por ello, experimenté con capas que la obra poco a poco me iba develando. La memoria orgánica y fluida se funde entre fotografías y acciones performativas. Transferí los retratos a las piedras; pinté el cuerpo de mi hijo y el mío como en los rituales ancestrales; llevé a cabo el entierro y el desentierro de mi tío Carlos a través de su foto de carné; y escribí con raíces un fragmento del poema de mi abuelo. Trato de regresar al origen para propiciar una transformación hacia la vida y la aceptación.
Este encuentro con los recuerdos me hizo reflexionar sobre el significado que tiene la familia, la vida y la muerte a nivel colectivo. Una estructura en la que se vinculan los vivos y los muertos para transitar el amor y el dolor.
Los recuerdos evolucionan, transmutan y se reimaginan. La fotografía, gracias a su encarnación en distintas materialidades, es capaz de traducirlos desde distintas esferas simbólicas y sensoriales.
Desde esa premisa, la artista nos presenta dos ejercicios en torno a su memoria familiar. Por un lado, Tautología del Horizonte, exhibe una colección de 8 piezas fotográficas a partir de un mismo archivo materializado en distintos soportes. Mientras la repetición de una misma imagen habla del recurrente y nostálgico acto de recordar este lugar particular, las diferentes soluciones plásticas traducen diferentes sensaciones que dan forma a este recuerdo a lo largo del tiempo, construyendo el puzle general de la memoria.
Por otro lado, desde la cantidad de post-its, su fragilidad y su simbolismo como recordatorios, la obra Paloma y Cristóbal rememora la cantidad de veces que la autora se enfrentó a lo largo de su cotidianidad a una imagen y como desde ahí, esta habita y resiste en su memoria, a pesar de no haber vivido el momento retratado y de la vulnerabilidad de los recuerdos a lo largo del tiempo.
En consecuencia, Rewilding Memories, representa ciertos recuerdos personales de la artista, por medio de una conversación sensorial y orgánica con la fotografía, invitándonos a sintonizar con nuestras propias experiencias del recordar.
Mi nombre es David. Diario de un viaje es la crónica del periplo, de un camino vital que empieza en el momento que decidimos formar una familia. Un camino en el que, desde que los hijos llegaron, la vida en pareja ha sido completamente arrasada y borrada del mapa como si hubiera caído un meteorito sobre un territorio invadido y recolonizado por ellos. En ese contexto, de intensidad constante e increscendo, la crianza, con la pandemia de por medio, ha sido en ocasiones un terremoto, donde las fricciones entre hermanos y entre nosotros nos han puesto al borde del abismo en varias ocasiones. Estas sacudidas emocionales, a la vez que nos empujaban hacia el precipicio, nos han hecho encontrar el modo de trascenderlas y de encontrar la armonía y la paz que necesitamos para seguir siendo una familia. Al final, no se trataba de cambiar las cosas, sino de cambiarnos a nosotros mismos, ya sea tu pareja o un hijo. Y ahí, surgió la naturaleza, la tierra como alivio, como válvula de escape donde poder aflojar las tensiones internas y encontrar el silencio necesario para que todo repose. Y en esa calma es cuando veo como cada uno de mis hijos va tomando parte en esta vida, siguiendo su propio camino. Es entonces, cuando vibro por dentro. Algo renace de nuevo en mí y simplemente es maravilloso, solo con mirarlos.
Soy Jordi Bofill Cunillera @PhotoSensitiveExperiences fotógrafo especialista y apasionado por la solarigrafía. En esta experiencia fotosensible en formato de instalación física “PAISAJES SʘLARES ɸ 41ºN”, muestro 6 proyectos de fotografía alternativa y experimental donde mezclo arte y ciencia buscando la estética de esta. Con la colaboración especial de artistas internacionales como Yoshihito Suzuki @dragoncaballo y Me Lata @melataelcorazon. Algunos de los paisajes son interactivos, pudiendo manipularlos, incluso crear y modificarlos. Si tienes cámara instantánea tipo polaroid o térmica traela o te prestaremos una, para participar en uno de ellos. Cada paisaje de este viaje solar consta de:
El sol: como protagonista, la estrella luminosa más cercana a nuestro planeta y el máximo generador de luz, sin la cual no existiría la fotografía.
Solarigrafías: astrofotografías estenopeicas híbridas entre captura analógica de exposición extrema y posterior tratamiento digital. Respetuosas con el medio ambiente sin químicos en el revelado ni en el positivado. Donde mágicamente se hacen visibles los trazos del aparente recorrido del sol día tras día, imagen invisible al ojo humano, que no es capaz de captar ni retener por sí solo. Un "time lapse" analógico con look pictórico de un mundo etéreo de paisajes oníricos.
LataCams: cámaras de fotografía, analógicas, estenopeicas y recargables especiales para largas exposiciones en exteriores. Diseñadas y construidas por mi artesanalmente para cada ocasión, reutilizando materiales y objetos cotidianos en desuso. Son las protagonistas de este cóctel de técnicas fotográficas y calmoso proceso de creación, para mí tan o más importantes que los impredecibles resultados finales.
