En los estrechos corredores de piedra centenarios del Barrio Gótico de Barcelona, los límites de la realidad comienzan a desdibujarse. Esta exposición presenta una serie de grandes “portales arquitectónicos” concebidos para irrumpir en los pesados muros verticales de la calle Sant Simplici. Erik Johansson utiliza su característico lenguaje, que combina una perspectiva meticulosa y una construcción surrealista, para transformar estas superficies físicas en ventanas. Allí donde el espectador espera encontrar piedra sólida, descubre en cambio un portal hacia otro mundo. Al situar estos desplazamientos domésticos y arquitectónicos dentro del contexto rígido e histórico del Pati Llimona, Johansson invita al transeúnte a mirar más allá de las limitaciones físicas de la ciudad. La exposición actúa como una “filtración” estructural en el tejido urbano, sugiriendo que incluso los cimientos más sólidos son, en realidad, solo una cuestión de perspectiva.

Ancestras es un proyecto de investigación y creación que recupera y visibiliza a mujeres creadoras del siglo XX relegadas por la historia. A partir de más de 130 retratos rescatados de archivos y colecciones, la obra construye una genealogía femenina que cuestiona la ausencia de referentes y propone una reparación simbólica desde una mirada feminista. Las fotografías son intervenidas manualmente con hojas, flores y ramas, que funcionan como metáfora del tiempo, la memoria y el legado. Así, el archivo se transforma en cuerpo, materia y presencia, reuniendo en cada imagen lo histórico y lo poético. La exposición, concebida como una constelación modulable, incorpora luz, sonido y una disposición variable de las piezas para generar una experiencia inmersiva. El proyecto se expande además en una publicación en formato de juego de cartas, que activa la memoria colectiva desde la participación.

Esta exposición inmersiva reúne entre 8 y 12 libros fotográficos hechos a mano, realizados mediante cianotipia y otros procesos alternativos como Van Dyke y serigrafía fotográfica. Cada pieza explora la relación entre fotografía, objeto y forma escultórica a través de distintas técnicas de encuadernación, como acordeón, copta y estrella. La muestra combina el lenguaje del libro de artista con la experimentación fotográfica, poniendo el foco en la diversidad de formatos, materiales y modos de exhibición. Los libros presentados funcionan como ejemplos de una edición más amplia en desarrollo, y anticipan una instalación donde cada obra propone una manera singular de mirar, recorrer y habitar la imagen. La exposición invita así al público a adentrarse en un universo donde la fotografía se despliega más allá de la pared y encuentra en el libro un espacio expandido de creatividad y experiencia.

Durante la residencia de este año, cada residente dispondrá de una jornada para desarrollar un taller teórico-práctico en el que compartirá con el resto del grupo una técnica experimental. La propuesta mantiene su enfoque como una comunidad horizontal de aprendizaje colaborativo, en la que el intercambio de saberes, la experimentación colectiva y la transmisión entre pares ocupan un lugar central, por encima del desarrollo individual de proyectos personales. A lo largo de la estancia se trabajarán distintas técnicas experimentales desde una lógica de convivencia, prueba y aprendizaje compartido. La residencia concluirá con una exposición colectiva centrada en visibilizar los procesos de investigación y aprendizaje activados durante esos días, más que en la presentación de resultados cerrados, y se exhibirá en la planta baja del Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya, en el marco del Experimental Photo Festival en Barcelona.

Coordinadora: Célica Veliz

Artistas: Cara Coombe (Australia), Christopher Palm (Ecuador), Dietlinde DuPlessis (Estados Unidos), Estefanía Montenegro (Ecuador), John Steck Jr. (Estados Unidos), Maike Brautmeier (Alemania), Ryder Booth (Estados Unidos) y Ute Friederike Schernau (Alemania)

Los medios técnicos son, la mayor parte del tiempo, transparentes, y solo revelan su verdadera naturaleza a través de fallos o cuando se producen perturbaciones. A partir de este principio, esta serie busca poner en evidencia la materialidad intrínseca de la fotografía digital. Para ello, se infligieron daños deliberados a los sensores de cámaras digitales mediante acciones físicas directas, como arañazos, perforaciones, etc., sobre la superficie electrónica fotosensible. A medida que el sensor registra las huellas de su destrucción progresiva, las fotografías producidas por la cámara se vuelven autorreferenciales, captando únicamente el proceso de su propia creación. La superficie fotosensible digital, habitualmente un simple receptáculo de imágenes, se convierte así en una materia fotográfica en sí misma, cuyas alteraciones revelan su sustancia.

Esta exposición presenta una investigación visual nacida de muestras de agua y sedimentos recolectadas en un afluente poco conocido de Mirabel, Quebec, para explorar la memoria de un paisaje atravesado por la transformación industrial y el abandono. Cultivadas sobre placas de Petri y fotografías de archivo, estas muestras activan un diálogo entre el pasado y lo vivo: bacterias, hongos y esporas invaden gradualmente las imágenes, convirtiéndose en autoras de composiciones imprevisibles modeladas por el tiempo, la luz y la humedad. Observadas y fotografiadas bajo iluminación controlada y al microscopio, estas formaciones revelan texturas y colores que remiten tanto a la cartografía orgánica como a la pintura abstracta. La propuesta reúne placas originales, imágenes microscópicas, registros de distintas etapas de crecimiento y dibujos sobre fotografías, en una tensión poética entre memoria, desaparición y renovación.

Esta exposición reúne obras que exploran los límites de la fotografía analógica y experimental a partir de antiguas fotografías familiares escaneadas y deliberadamente distorsionadas. Lo que comienza como un gesto de preservación se convierte en un proceso de transformación, donde el escáner deja de ser una herramienta de reproducción para actuar como un dispositivo de alteración. A través de fallos, movimientos y accidentes digitales, las imágenes pierden su forma reconocible y se convierten en figuras híbridas entre cuerpo y dato, memoria y glitch. Las obras se sitúan entre lo íntimo y lo inquietante, revelando la fragilidad del archivo familiar como un organismo vivo, mutable y vulnerable. Más que reconstruir una verdad del pasado, la exposición se centra en aquello que persiste tras la distorsión: su residuo emocional. La experimentación y el error abren así una reflexión sobre la imagen, la imperfección y su potencia poética.

Bienvenides a una experiencia donde la fotografía analógica se fusiona con las artes culinarias. Fruto de más de cinco años de experimentación entre la cocina y el cuarto oscuro, este trabajo reúne distintas formas de manipulación de película mediante productos alimenticios y técnicas culinarias, con imágenes hervidas, fritas, horneadas, curadas, sumergidas y fermentadas. La gastronomía aparece aquí como memoria íntima y herencia cultural, y las fotografías juegan con la relación entre ingrediente, receta y motivo fotografiado. Combinadas con recursos in camera como la doble exposición o los filtros creativos, estas técnicas dan lugar a imágenes etéreas y de gran impacto visual. Con humor, autoconciencia y una fuerte defensa de la experimentación analógica, el proyecto reivindica el júbilo creativo como gesto de resistencia frente a la sobrecarga digital. A través de sus talleres, la cocina-cuarto oscuro se convierte también en un espacio de encuentro, cuidado y creación compartida.

Esta exposición explora el vínculo ancestral entre las mujeres rurales ecuatorianas y la tierra que habitan, cultivan y protegen. A través de retratos impresos con fotosensibilidad vegetal sobre hojas de banano, cacao, café, hierbas y hortalizas procedentes de sus propios huertos, la obra une fotografía y materia orgánica en un gesto de resistencia, reverencia y memoria. Cada soporte, con su textura, color y forma, transforma la imagen en un objeto único, efímero y vivo, donde la piel de la hoja y la del rostro entran en diálogo. El proceso, lento, artesanal y sensible al tiempo y al entorno, cuestiona la reproducción mecánica y devuelve a la fotografía una dimensión ritual e íntima. La muestra honra los saberes femeninos, el trabajo invisible y la relación con los ciclos naturales, invitando a pensar la imagen como una forma de escucha ecológica, afectiva y política.

Esta exposición reúne obras que nacen de una reflexión sobre cómo la fotografía, lejos de fijar un significado estable, cambia con el paso del tiempo y con cada nueva mirada. A partir de fotografías propias de sombras y luces sobre objetos arquitectónicos, el artista corta, reorganiza y recompone sus imágenes para crear nuevas composiciones abstractas. A este proceso lo llama “anagramas visuales”: igual que en el lenguaje se reordenan letras para formar otra palabra, aquí se reordenan los elementos de una fotografía para generar otro sentido posible. El resultado se acerca al collage, aunque sin adhesivos: son configuraciones temporales fotografiadas antes de volver a transformarse. La exposición explora así la inestabilidad del significado, la apropiación de la propia imagen y la posibilidad de abrir, dentro de una misma fotografía, infinitas variaciones del tiempo y de la mirada.

Memory Simulacra examina la intersección entre memoria, tecnología e hiperrealidad en la era digital. Mediante el uso del escaneo 3D con iPhone, replantea la manera en que capturamos y recordamos experiencias en un mundo cada vez más mediado por dispositivos, a diferencia de la fotografía tradicional, que está ligada al tiempo, al encuadre y a una narrativa lineal. A través de simulaciones fragmentadas y abstraídas, la obra refleja la naturaleza emocional y discontinua de la memoria, cuestionando cómo la tecnología moldea la realidad, las percepciones y las experiencias en un paisaje hiperreal.

Los territorios escapan a nuestra capacidad de poseerlos, contenerlos o llevárnoslos con nosotros. Solo a través de su representación podemos compartir la experiencia de verlos. Son ilusiones de lo inaprensible, encuadradas para simbolizar nuestros deseos. En ellos proyectamos libertad, espiritualidad, el impulso de viajar y, en tiempos recientes, nuestra deuda con el planeta. A través de las imágenes del territorio llegamos a conocer lo lejano, incluso aquello que quizá nunca experimentemos con nuestros propios ojos. Estas imágenes sustituyen la experiencia directa y evocan una dimensión espiritual. Inspiran tanto calma como anhelo. Las utilizamos para promover viajes, denunciar la degradación ambiental o expresar la identidad y el origen de aquello que consumimos. En última instancia, son reflejos de aquello que no podemos poseer en su totalidad.

Esta exposición nace de la contemplación sostenida de la artista, a través del tiempo y el espacio, para comunicarse con el roble de doscientos años que vive frente a su casa. En esta relación, el árbol se vuelve coautor y nos invita a reimaginar nuestro vínculo con lo no humano desde una mirada animista, donde árbol y persona aparecen como socios. A través de sonido, vídeo, escultura y fotografía experimental analógica y digital, la obra explora la existencia del roble más allá de su forma física: la corteza se transforma en onda sonora, las hojas, los amentos y las bellotas imprimen la emulsión, y las imágenes estenopeicas ensayan una forma de mirar a través de los ojos del árbol. La propuesta abre así una experiencia visual y auditiva que nos invita a pensar cómo la amistad con los árboles podría transformar nuestra percepción, nuestra defensa de su agencia y nuestra responsabilidad en su protección.

Esta exposición confronta los estándares paradójicos y a menudo crueles que se imponen sobre los cuerpos de las mujeres, especialmente sobre aquellos leídos como “demasiado delgados”. A través de una serie de imágenes, el trabajo parte de frases reales recibidas a lo largo de los años, comentarios no solicitados que convierten el cuerpo en objeto de juicio, sospecha y corrección. No habla solo de la delgadez, sino de la experiencia de ser observada, malinterpretada y avergonzada por existir en un cuerpo que otros creen tener derecho a opinar. Al trasladar esas palabras del recuerdo al plano visual, la obra ilumina una forma de body shaming pocas veces reconocida. La exposición invita así a cuestionar las narrativas tóxicas sobre la belleza y a reivindicar la voz, la identidad y la verdad singular de cada cuerpo.

Instalación audiovisual
Memoria, recuerdo, recordatorios: conceptos importantes tanto para la comunicación social como para la experiencia personal. En su trabajo, Alexey y Dasha se centran en el concepto opuesto: el olvido.
El marco genérico general de la instalación es el de un museo o archivo temático. Los autores crean una sala del inexistente Museo del Olvido, dedicada al olvido de los sueños.

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Esta exposición nos sumerge en la fragilidad del mundo submarino a través de la mirada de Katel Delia, artista y buceadora con casi tres décadas de experiencia explorando el océano. Sus fotografías captan ecosistemas marinos atravesados por la degradación, la desaparición de especies y la presencia persistente de residuos plásticos. Sobre estas imágenes, delicados bordados trazan relieves y líneas topográficas que evocan paisajes sumergidos y funcionan como metáfora de los vínculos frágiles que nos unen al mar. La obra también señala el impacto de prácticas destructivas como la pesca de arrastre de fondo y el abandono de redes, que continúan dañando los ecosistemas mucho después de ser desechadas. Desde una experiencia íntima y directa, la exposición invita a reflexionar sobre la belleza, la vulnerabilidad y la urgencia de proteger el océano antes de que sus maravillas se conviertan en reliquias del pasado.