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19 exposiciones en Barcelona

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Inauguración 19:00hs Martes 23/07

Inauguración 19:30hs Miércoles 24/07

Viktor Kostenko

Los Mares Vuelven a Ser Montañas

Catalina de la Cruz

El Reverso del Paisaje

Andrea Petit

SPIRITUS MUNDI

Inauguración 19:30hs Jueves 25/07

Shaina Gates

Specimina

Imogen Hero

A Topography of Micro Planets

Anna Melnikova

The Corridor of Eclipses

Yuk Tsang Ng

In the Raw Wind of the New World

Laura Boronat

Sin Título

Haluro de Clara

Elements: Fire

Constanza Solórzano

Ferida Espectral

Edward Levinson

Mind Games

Allkimik

Share or Dye Europe Wide

Emma Backer

The Distortion of Pain

Hilde Maassen

Clouds Revealed

Agora, Escuela de Experimentación

Impresiones Efímeras. Redescubriendo la Visión Experimental de William Henry Fox Talbot

+ La visita a todas las exposiciones es libre y gratuita y no hay que reservar entradas.

Viktor Kostenko

Los Mares Vuelven a Ser Montañas

Antes, los mares eran mares y las montañas eran montañas.

Después, los mares fueron nubes y las montañas fueron piedras.

Ahora, los mares vuelven a ser montañas y las montañas vuelven a ser mares.

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Talbot
Lacock Abbey Self-Represented in the Camera Obscura. May 1839 William Henry Fox Talbot.jpg

Impresiones efímeras

Redescubriendo la visión experimental de William Henry Fox Talbot

Esta exposición pone de manifiesto la visión pionera de William Henry Fox Talbot como científico, inventor y "pintor con la luz". Basándose en los experimentos fundamentales de Humphrey Davy y Thomas Wedgwood en 1802, Talbot se embarcó en un viaje de pruebas y errores para desarrollar un método para fijar las imágenes captadas a través de la cámara oscura. En lugar de hacer hincapié en la representación de la realidad como producto, esta exposición presenta las obras menos conocidas, las que exploran los principios fundamentales de la fotografía misma. A través de la presentación de sus contribuciones más innovadoras, la exposición invita a los espectadores a reevaluar el siglo XIX como los inicios de la fotografía experimental.

Pablo Giori

director del Àgora, Escuela de Experimentación

SPRITUS MUNDI

La era industrial colocó al Hombre como dominador de su entorno.
En los últimos años, hemos esterilizado nuestros cuerpos, nuestros hábitats, nuestros suelos...

Pero, ¿sabemos que la mayoría de esas bacterias que nos disgustan son esenciales para nuestra supervivencia? ¿Que un cuerpo o un suelo vivo y sano se debe al equilibrio de su microbiota?

La emergencia climática nos pide posicionarnos, salir de la jerarquía piramidal que nos separa del genio natural e integrarnos a un sistema horizontal donde el hombre y su entorno trabajan en simbiosis. Para ello es fundamental reconectar con nuestra naturaleza.

Los mecanismos biológicos y químicos que nos rodean están encerrados en el espacio científico regido por reglas estrictas y destinado a los iniciados. 

A través de la experimentación busco abrir las fronteras de la ciencia, para ofrecer al público una experiencia que conecta la poética de la vida con los sueños. Apropiarme de herramientas y técnicas científicas me permite restablecer los vínculos entre el ser humano y su entorno. Exploro y creó obras sistémicas donde el material, la vida, el y el humano son interdependientes.

Pura vida.

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Andrea Petit
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El Reverso del Paisaje

El reverso del Paisaje es una exposición que reúne una serie de Libros Fotoquímicos de Artista realizados en Goma Bicromatada, técnica fotopictórica del S. XIX. Por medio de un trabajo sobre el color, la materia fotosensible e intervenciones en su arquitectura, en estas obras se pone en diálogo imágenes de paisajes en tránsito, de recorridos en fuga y fragmentos de borde del camino. Así se despliegan como poéticas visuales que involucran el juego con el tiempo, al pasar sus páginas y leer visualmente secuencias sugerentes sobre experiencias del recorrido, y el paisaje como una constante transformación.

Cataina de la Cruz

A Topography of Micro Planets

Este proyecto fue creado mediante la colaboración con cultivos microbianos en la superficie de películas fotográficas para crear nuevos Micro Planetas que funcionan como estudios topográficos de paisajes microbianos. Las imágenes presentadas actúan como colaboraciones entre especies que trascienden la ecología terrestre para reflejar cómo podría ser la vida en otros planetas y en escalas muy diferentes. Junto a los Micro Planetas, Imogen presenta la efímera de las placas de Petri de su proceso científico, iluminadas como cajas de luz que incitan al público a mirar hacia abajo en estos objetos de curiosidad, como si estuvieran mirando a través del objetivo de un microscopio observando los pequeños mundos mostrados a través de las fotografías.

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Imogen Hero
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Specimina

Estas esculturas de Figuras, similares al origami y vivamente coloreadas, se producen utilizando película fotográfica en blanco y negro. Ninguno de estos colores es la función prevista del material, sino que más bien, emerge a través de un proceso material experimental. Para crear estas obras, la película se dobla y se expone al sol durante un período de tiempo antes de fijarla y lavarla para detener la exposición. El rango particular de colores en cada pieza depende del tipo de película, el tiempo de exposición, la calidad espectral de la luz, el número de capas dobladas, la temperatura y otros factores ambientales. Cada Figura representa una adaptación específica a las leyes de la geometría plana, junto con las contingencias físicas de la luz y la química incidental.

Shaina Gates

Elements: Fire

Elementos es un proyecto que busca estudiar la profunda conexión del todo, explorando y documentando la transformación que sucede cuando los elementos interactúan con negativos fotográficos. Al intervenir con agua, fuego, aire y tierra, el proyecto trata de descubrir las historias ocultas y la poesía visual incrustadas en la naturaleza. Profundizando en la imprevisibilidad y la causalidad de los procesos fotográficos analógicos, permitiendo que los elementos dejen su marca distintiva en la película, capturando así la esencia misma de estas fuerzas elementales. Cada una de estas imágenes es un testimonio visual de la dualidad del fuego (destrucción y creación, pasión y calma, luz y oscuridad…), y una manifestación del poder de transmutación latente en la película que, al ser expuesta a este elemento, resulta en colores, formas y texturas inesperados. Esta exhibición es un reconocimiento de la fuerza y fragilidad, una invitación a reflexionar sobre la naturaleza efímera de nuestra existencia y la constante transformación que define nuestra realidad.

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Haluro de plata
Hilde Maassens
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Cloud Reveales

Las nubes son fascinantes. Tienen una apariencia romántica y soñadora, pero también pueden ser aterradoras y amenazantes. Las nubes son indeterminadas, no tienen una ubicación específica y están en constante movimiento. Según la profesora Laurie Santos de la Universidad de Yale, mirar las nubes durante 10 minutos todos los días te hace más feliz. Vemos figuras en ellas, a veces mundos enteros, y podemos soñar con ellas. Sin embargo, las nubes parecen moverse hacia los polos y más alto en la atmósfera, lo que las hace menos efectivas para enfriar la Tierra. En el tema del cambio climático, son la "carta salvaje" porque es difícil ubicar las nubes en los modelos informáticos. Relativamente hablando, son demasiado pequeñas y cambian rápidamente, lo que las hace difíciles de "tocar". Entre otras cosas, los científicos están buscando formas de hacer crecer las nubes para ayudar a enfriar la tierra. Con este trabajo, quiero que las personas miren a las nubes de manera diferente, más conscientemente, como parte del cambio climático, porque a menudo las damos por sentado en la vida diaria. Al mismo tiempo, crear obras en las que las personas puedan soñar de nuevo, viajar de vuelta en asombro, acostados en el césped, reconociendo figuras en las nubes.

Joshua Curry

10X

En 2021, conduje a través de los Estados Unidos haciendo fotografías y capturas multimedia del territorio y de la gente. Durante ese viaje, experimenté con una variedad de técnicas fotográficas para explorar los límites de la documentación como práctica. Por accidente, activé un modo de cámara que superpone diez exposiciones diferentes en una sola. Este útil accidente produjo imágenes interesantes que combinaban múltiples perspectivas, encuadres y mezclas de colores. En algunos casos, el efecto era bastante hermoso. Desde entonces, he utilizado esta técnica de exposición múltiple en muchos proyectos. He perfeccionado mi acercamiento y a un vocabulario visual expresivo con él. Todas las imágenes se producen dentro de la cámara utilizando diez exposiciones. No se utiliza software de computadora ni herramientas de IA. Lo que ve el espectador es lo que se produjo en el campo.

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Constanza solorzano
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Ferida espectral

¿Podemos acceder, a partir de la fotografía, a pasados no registrados?

Como millones de personas mestizas en América Latina, mi origen es el olvido. A partir de imágenes efímeras exploro cómo el proceso de colonización de América Latina determinó la desaparición de culturas nativas y africanas en favor de la instalación de la cultura Europea y su dominio del territorio americano; lo cual ha dejado una herida espectral en nuestros cuerpos: la configuración de nuestro rostro demuestra que nuestro origen es la colonización, su violencia y el olvido que implica. Conjuro visualmente un pasado al que no he podido tener acceso e invoco a los fantasmas para que tengan una presencia imagética en otras temporalidades y no permitir que sean, una vez más, olvidados. Este trabajo resume la dificultad para acceder a la información sobre los orígenes en contextos que sufrieron procesos de colonización con mestizaje y la dificultad en configurar identidades que descansen en alguna historia más digna que la de ser el producto de una toma violenta de territorio. Con este ritual desfotográfico cuestiono aquella visión romantizada del mestizaje que lo señala como un simple “encuentro” entre culturas y etnias.

EdwardLevinson

Mind Games

He estado utilizando la fotografía estenopeica como expresión artística desde 1993. La serie Juegos Mentales comenzó en 2005 y es mi primer trabajo importante en color con fotografía estenopeica. Cuando empecé a usar la cámara Pinhole Blender de tres agujeros, sentí que era una buena herramienta para crear historias. Por lo general, busco tres escenas u objetos que de alguna manera vayan juntos. Busco humor, ironía y declaraciones sociales al combinar las tres imágenes en una fotografía. A veces, la imagen central es lo suficientemente fuerte como para destacar por sí sola; las imágenes laterales se utilizan para aislar el sujeto de su entorno normal, atrayendo así al espectador al punto de poder central. El collage resultante de tres imágenes superpuestas se crea en la cámara analógica, no en un ordenador. Después de capturar las imágenes, llevo la película negativa en color de formato medio de 120mm a un laboratorio para que la revelen. Luego, escaneo personalmente los negativos en el ordenador, proceso los colores y los imprimo con sistema de impresión inkjet de calidad de archivo. Las fotografías de esta serie fueron tomadas entre 2005 y 2011 y fueron exhibidas en cinco exposiciones individuales en Tokio, Kyoto y Chiba, Japón, en 2011-2012 y publicadas como libro en 2019.

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Emm Backer
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The Distortion of Pain

Mis sentidos cuando me enfrento con el intenso dolor de migrañas crónicas. Cada fotografía atraviesa un proceso deliberado, aunque incontrolable, de deconstrucción a través de resistencias colocadas en la imagen mientras está sumergida en la química tradicional de gelatina de plata. Mi proceso refleja la constante tensión entre el orden y el desorden, muy similar al equilibrio perturbador dentro del cerebro durante una migraña. La distorsión simboliza los momentos fracturados de la vida afectados por la lucha invisible, capturando la esencia del dolor que permea tanto los reinos físicos como emocionales. Más allá de la mera representación, mi trabajo busca invitar a los espectadores a comprender los profundos desafíos enfrentados por aquellos que navegan la vida con dolor crónico. Al empujar los límites de la fotografía tradicional, busco amplificar el silencio que a menudo envuelve este trastorno neurológico. A través de la interacción de imágenes manipuladas, invito a los espectadores a presenciar el espíritu de aquellos que soportan el impacto implacable del dolor crónico, reconociendo la fuerza necesaria para navegar un mundo que a menudo no comprende el profundo impacto de una lucha invisible

Laura Boronat

Sin Título

Esta exposición cuestiona la necesidad generalizada que existe hoy en día de definirnos constantemente. De crear un perfil detallado que determine quienes somos como carta de presentación para el mundo y que esto nos defina para toda la vida. Categorizamos a las personas como si fuéramos productos. Me he encontrado a mí misma alargando el proceso de búsqueda de mi identidad. He caído en la típica frase de “encontrarme a mí misma”, haciendo de este un proceso lento y complicado. Cuando realmente es algo mucho más sencillo. Lo llevo dentro. Mi identidad está intrínseca en mí. Solo tengo que ser. De la misma forma, he querido representar la separación del sujeto de su contexto, que parte de mi necesidad de alejarme de mi entorno para que este no me defina. He usado el proceso técnico como reflejo de mi proceso personal. Pasando de físico a digital, y viceversa, múltiples veces y manipulando la imagen en cada una de estas etapas con la intención de “desgastar” la imagen cada vez más. Alargando un proceso que podría ser muy sencillo.

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Anna Melinkova

The Corridor of Eclipses

The Corridor of Eclipses es un tiempo extraño y misterioso. Casi atemporalidad entre los eclipses solares y lunares. El concepto, descrito detalladamente en la astrología, en el arte se convierte en una metáfora del estado de una persona y del mundo que le rodea, en el que no hay equilibrio. La desintegración trágica y el renacimiento increíble, la destrucción y la restauración: todo es posible durante este período, que inevitablemente ocurre dos veces al año. Esta serie fotográfica es una reflexión profunda del artista sobre nuestro mundo, que en este período se encuentra en el largo The Corridor of Eclipses. El mundo, que tiene miles de posibilidades de desarrollo, cae y se derrumba en guerras sin sentido y batallas por el poder y el dinero, pero creo que saldremos del oscuro corredor hacia la luz y llegará un gran renacimiento de nuestro mundo. Curador: Víctor Senkov.

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Ng yuk tsang

In the Raw Wind of the New World

In the Raw Wind of the New World, es una conmovedora exposición de Ng YukTsang, captura la esencia de los recuerdos transitorios en nuestro mundo dominado digitalmente, centrándose en los matices de su pasada relación a larga distancia desde Londres hasta Hong Kong. Esta serie, inspirada en las experiencias personales de Ng y las percepciones de La agonía de Eros de Byung-Chul Han, reflexiona sobre las implicaciones sociales de las diásporas modernas y la naturaleza omnipresente de la cultura de la imagen en un contexto globalizado. A través de sus archivos fotográficos, Ng explora la paradoja de las abundantes fotos íntimas después de la relación, reflexionando sobre el desapego del amor en medio de los avances tecnológicos. La exposición crea intrincadamente un entorno reminiscente de los espacios de vida transitorios de Ng en Londres, espacios que, aunque no eran hogar, sirvieron como refugios temporales durante sus días de estudiante. Esta configuración fusiona el ambiente de su dormitorio con los restos de hogares en movimiento, caracterizados por cinta adhesiva y fragmentos de fotos dejados en las paredes. Esta obra no solo explora las profundas experiencias de la relación a larga distancia de Ng, sino que también profundiza en los impactos sociales más amplios de nuestro mundo interconectado pero físicamente distante. A través de su arte, Ng invita a los espectadores a contemplar la esencia de la memoria, la naturaleza transitoria de las relaciones y el potencial de la fotografía para cerrar la brecha entre el desapego digital y las conexiones emocionales tangibles.

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Allkimik
Share Tag or Dye

Share, Tag or Dye Europe

Todos los que se unieron, contribuyeron con un enlace de sus feeds de redes sociales para ser llevados a la "materia" utilizando una técnica del siglo XIX, el cianotipo. La técnica se atribuye a Sir John Herschel (1842), aunque él la usó principalmente para reproducir notas. Fue una mujer la primera quien utilizó este proceso bajo una aproximación fotográfica: la botánica Anna Atkins, en su obra Photographs of British Algæ: Cyanotype Impressions. ¡Este también es el primer libro con ilustraciones fotográficas, bastante genial, ¿verdad? ¿Alguna vez has sentido que el tiempo que pasas en las redes sociales promocionando tu trabajo es mucho más largo que el tiempo que pasas realmente trabajando, y aún así, tu trabajo no se ve? Hicimos esta misma pregunta el año pasado por estas fechas. 2 años después de lanzar la primera edición de Share, Tag or Dye, seguimos sintiéndonos así. Así que seguimos con nuestro deber y seguimos preguntando, ya que parece que no somos los únicos con este dilema. ¡En las primeras 2 ediciones, más de 500 personas de más de 40 países de todo el mundo se unieron a nosotros para Compartir, Etiquetar o Teñir! ¿Estuviste entre ellos? ¿Sí? ¡Bueno, nos alegra (volver a) verte! ¿No? ¡Bueno, ahora es tu momento (otra vez)! Solo que esta vez, vamos más grandes. Es decir, 5 ubicaciones en 3 países. ¡Compartimos, Etiquetamos o Teñimos en toda Europa!

Residencia

Colectiva de Procesos

Residencia Internacional de Experimentación EXP-IEFC

La residencia busca generar una pequeña comunidad horizontal de aprendizaje colaborativo, donde cada quien, cada día, enseña en un taller teórico-práctico, una técnica experimental y su manera de trabajar a sus compañeros residentes, haciendo hincapié en la mezcla de técnicas, en el mensaje y en el trabajo colaborativo. Les participantes en esta segunda edición son, en orden alfabético: Brenna Hansen (Estados Unidos), Camila Nahien (Chile), Henri Blommers (Países Bajos), Karolina Gliniewicz (Polonia - Reino Unido), Kit Martin (Reino Unido), Millee Tibbs (Estados Unidos), Sofía Nercasseau (Chile) y Tanja Upravitelev (Alemania), con la coordinación de Célica Véliz (Argentina). Esta es una comunidad donde pueden convivir y dialogar la cianotipia al aire libre, el papel salado y las publicaciones artesanales, la fotografía estenopeica y sus múltiples ramificaciones, los fotogramas con tintas, sus combinaciones con el collage y la copia lumen, el trabajo en cuarto oscuro tradicional, la fotografía ASMR asociada a la animación y postproducción, como así también, el cyano lumen, llevando más allá las posibilidades de la técnica. Al contar con diez días para trabajar no quisimos hacer una exhibición de trabajos cerrados o proyectos terminados, entendemos que este es un punto de partida para el aprendizaje, la investigación y la colaboración. Por eso lo que están viendo aquí es una exposición de work in progress, tomando como referencia a Paul Valéry y su Primera Lección de 1937 en la que proponía el término poïétique para referirse “al estudio, no de la obra culminada, sino de su producción y condiciones de realización”.

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Blooming Voices

Blooming Voices son cinco voces que confluyen en un grito de protesta. A través de este discurso colectivo, las artistas nos invitan a reflexionar sobre la búsqueda de la identidad femenina, la emancipación de la mujer respecto a los patrones de belleza impuestos por la sociedad, pero también la reivindicación del placer y el empoderamiento del cuerpo, siempre nutriéndose de la herencia y del aprendizaje de las generaciones anteriores.
Como una semilla brotando y una flor que se abre, estas voces se unifican en un mismo poema, una oda a la feminidad y a su naturalidad. Era necesario contarlo, plasmarlo, gritarlo… Y fotografiarlo.

Colectiva

Curadoras: Arantxa Figuera Berganzo y Astrid Jacomme

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